與自我的搏鬥：「All about me」紀錄片影展
「什麼時刻我們會看見自己？」「什麼時刻我們會『想』看見自己？」
高雄市電影館邀請紀錄片策展人林木材先生，為電影館量身策劃「All About Me紀錄片影展」，共選映11部國內紀錄片作品，於5月15日至6月3日期間在高雄市電影館二樓放映室播放，這些作品探討攝影機從外「轉向」自己的動作，讓觀眾從不同觀點切入紀錄片，展現更多新的意義和可能性。
這些優秀自拍作品不僅僅摻雜了個人情緒，充滿感染力，更重要的，是能將這些情緒「轉化」成具溝通性的事件，利用各種隱喻見微知著，透過貼身的個人角度和語彙，將故事傳達給觀眾。
「與自我博鬥」的播映片單大抵分成五項主題，分別代表了人們挖掘生命內在時最切身的二三事，分別是「自我認同」（《斷線風箏》、《62年與6500哩之間》）、「創傷與和解」（《25歲，國小二年級》、《再會吧1999》、《不限時專送》），「內在外在」（《on/off》、《是你嗎》），「親情關係」（《雜菜記》、《黑晝記》）與「生命困境」（《唬爛三小》、《雲的那端》）。
從《斷線風箏》裡的映鏡折射與三代人的故事，可以看見那無以名狀，卻又熾熱動人的思鄉情愁，《62年與6500哩之間》則是從阿嬤的一生，探尋著自己對身分認同的困惑；《不限時專送》中對童年回憶的恐懼與追溯，直指了創痛遺憾於心的酸楚；《是你嗎》雖以自己為例，但卻大膽地用了第三人稱的敘事角度，企圖擴大探討身體與靈魂間的關係；《雜菜記》與《黑晝記》應合併觀看，記錄導演與父親一同走向未知人生的點滴過程；《雲的那端》藉著台法混血的小女兒，以一個更高廣的格局，討論科技、情感、認同與女性身分掙扎的複雜課題，《唬爛三小》中導演輕率地摸索攝影機，隨意zoom in zoom out的練習以及死黨們不同時期的人生際遇，竟刻畫出了生命的厚度！
策展人表示，俗稱的「自拍」──把攝影機對向自己，講述關於自己的故事，正是紀錄片中相當突出且獨特不凡的類型。它直接挑戰了傳統的紀錄片觀念，像是旁白敘事的正當性、田野調查與蹲點拍攝的必要、拍攝者與被攝者的關係、對題材議題的設定與追蹤等等。某種程度上，這個將攝影機從外「轉向」自己的動作，反而將紀錄片從一種「標準流程」中解放出來，產生另一種美學思維，其中所關注的議題、使用的鏡頭語言、敘事方式，都讓我們得以從另一種觀點切入紀錄片，展現更多新的意義和可能性。
「我」（第一人稱）是這類作品最重要的主體／詞，我的回憶，我的心情，我的想法，我的遭遇。但自拍紀錄片更有趣的特點在於，拍攝自己不是空穴來風，總帶有極強烈的主觀意識。創作者的拍攝有其動機，但卻無法預測明確的答案，是為了目的而進行拍攝，也是藉由拍攝而接近目的，面對未知的未來，需要勇氣克服恐懼，因而展開了一趟趟冒險、令人心驚的內省旅程。
或許有許多人曾認為自拍影片不值一提，與那些公領域的重要社會議題相比，這些私人的情緒困擾算得上什麼？然而，生命的意義終究不會只藉由外在來定義，我們如何看待自己，才是決定生命價值的關鍵。最後也提醒觀眾千萬別忘記，關於自己的故事從來不只是個人的事，而是屬於（複數的）「我」的故事──是普世的，是永恆的，自我與自我無止境的搏鬥。
※策展人林木材特別推薦片單：
《雲的那端》（導演：蕭美玲/2007）
1999年蕭美玲拍攝《斷線風箏》，講的是三個人（中法混血的張先生、阿嬤、自己）對於身份、國家、世代的離散和錯認。而這次，她記錄著自己的中法混血女兒Elodie，影片同樣不以家庭錄影帶（home movie）自居，反而由小照大，反映當下，甚至預言著未來世代普遍性的問題。
影片開頭，以「新生」破題（溶疊著火山熔岩的影像，貌似陰唇），象徵一個新世代的來臨。而由於夫妻分居兩地，Elodie只能透過電腦MSN的webcam與爸爸見面講話，換言之，對Elodie而言，父親像是個虛擬的電腦平面（還到電腦後方找尋爸爸的蹤影），媽媽則像是台攝影機。一家人的關係與身份，彷彿被科技綁架，在「虛擬」與「真實」間游移。
父親最終說著：「這一切都是攝影機的錯」。但在這個錯誤裡，那些不堪的虛偽聯繫，卻因為宛如利刃般的逼視，直指了何謂情感上的真實。對我而言，《雲的那端》所呈現的，不只映照他們，也射向我們（觀眾）。蕭美玲無畏道德爭議的大膽自我作法，其實才是身為一個藝術創作者最可貴的姿態和身段。
《是你嗎》（導演：陳婉真/2010）
《是你嗎》講述著作者對於自己歪斜的下巴感到厭惡，在他人的眼光下，時常有意無意嘗試掩飾或隱藏這個事實，直到她下定決心要動手術將歪斜的下顎骨放回它應該在的位置，才漸漸放下這份多年來深藏在內心的疙瘩。
這部突出的創意作品，相當大膽且令人印象深刻。《是你嗎》以自己為例，探索了身體與靈魂的界線關係─面對真實的自我，心理畢竟還是成為一個完整真實的「我（人）」的關鍵。影片不只是「自拍」的形式令人驚艷，其所顛覆的，是「拍攝」（record/shot）所意指的紀錄（document）意義。「拍攝」在作者整型與心靈對話的過程中，是探索、是抒發與陪伴（攝影機就像是一位親密朋友），但更擁有一種驅力，隨伺在旁的攝影機，驅策自己為了克服心理障礙而進行拍攝，也為了拍攝而必須讓自己想辦法克服，擁有豐厚的討論層次。片尾，經歷過這折騰、苦痛的一切後，導演並沒有刻意突顯或強加手術後的內外在變化、情緒的憂喜，只是靜靜、樸實地繼續呈現生活的片段，因為那並不是所謂「新的自我」，而是「原本的我」，體現了內心的平靜與真正感受，也說明了作者的勇敢與真誠。
《黑晝記》（導演：許慧如/2008）
許慧如講述著自己與父親間關係的《黑晝記》。嚴格說起來，影片裡的素材並不能被稱為「刻意的記錄」，反而像是一種慣例性的拍攝，一種家庭電影（home movie）裡的隨性或隨手可得。直到發現父親罹患癌症，回顧著彼此扶持陪伴的日子，這些影像遂在整理之後突顯了意義。而這份意義，除了紀念之外，更重要的，則是藉此看見了自己的生命，以及讓自己的生命被「我」（作者）所看見。《黑晝記》面對死亡，面對深層的自我，卻展現了從容的勇氣與態度，令人感動敬佩。
《ON/OFF》（導演：陳惠萍/2007）
看著《ON/OFF》裡日曆上的數字因時間的推擠而一個個被劃上「X」，畫面也總是M週而復始的單調情景時，我仍不太了解這個實驗的目的是什麼, 只是當M閱讀著報紙，上面紅通通的，正報導著台灣有史以來最大規模的群眾遊行運動，我才恍然大悟。原來M不是要甩開媒體、隔絕資訊，更不是要「對抗」外在的什麼。她所奮鬥著的，是一場屬於自己的戰爭，一場與自己內在性格的格鬥賽，費時費力，因此更得要用心用力。
更詳細的說，M所做的，像是在進行著一種「繞道」，用封閉標誌和另闢蹊徑拉長了生活中任何可能的經歷。經由三十天一再的繞道行動中，與多種多樣的他者進行交流、溝通，最後再返回「自身」，藉此發現自己、認識自己、發展自己。就如同我是多麼驚訝片中，M居然開始與平常根本不會有所交談的食店老闆閒話家常，解釋自己正在做些什麼，甚至注意起每個人下班後疲倦的背影…等等。
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